¡Hola a todos los apasionados del cine! Hoy quiero compartir mi opinión sobre la película «El hombre del saco«, dirigida por Ángel Gómez Hernández. Como un amante de las películas de terror, no podía dejar pasar la oportunidad de hablar de esta producción que mezcla lo sobrenatural con el folklore.

Ángel Gómez Hernández, conocido por su trabajo en ‘Voces’, nos sumerge nuevamente en el género del terror. Esta vez, nos presenta una propuesta que es perfecta para disfrutar en familia, aunque con una advertencia: es posible que los más pequeños se sientan un poco abrumados por su intensidad.

La película se inspira en el conocido «crimen de Gádor» ocurrido en el pasado siglo en Almería, añadiendo un toque de fantasía y lo sobrenatural. Esto la hace especialmente atractiva para el público infantojuvenil que ha disfrutado de series como Stranger Things. Sin embargo, aquí es donde la película podría haber arriesgado más. Aunque toma elementos de películas y series populares, a veces se siente un poco tímida en su enfoque hacia el terror, lo que podría dejar a algunos espectadores esperando más.

«El hombre del saco» comienza con una mudanza, un clásico en las películas de terror, y nos sumerge en una serie de desapariciones de niños en el pueblo. Los niños protagonistas, junto con algunos amigos, se embarcan en una aventura para resolver el misterio, pero el tiempo corre en su contra. A medida que la trama se desarrolla, se ven obligados a confiar en un adulto que posee información crucial para enfrentar a la entidad malvada.

La película tiene la intención de ser una fábula de terror que puede disfrutarse en familia, lo que la hace adecuada para un público joven. Además, aborda temas importantes sobre la relación entre adultos y niños dentro de la familia, lo que puede generar conversaciones interesantes.

El elenco de actores es variado, con Macarena Gómez destacando por su versatilidad, y Javier Botet aportando su magia en el tramo final de la película. Sin embargo, algunas actuaciones de los jóvenes actores pueden resultar irregulares debido a su falta de experiencia.

El guion, aunque bien intencionado, a veces puede parecer un poco ingenuo, especialmente en la forma en que se abordan las escenas de terror. Parece que la película opta por un enfoque más familiar en lugar de ser completamente aterradora.

En resumen, «El hombre del saco» es una película que promete, pero podría haberse atrevido a ser más oscura y aterradora. Aunque está diseñada para un público joven, los amantes del terror más convencional pueden encontrarla un poco suave. Sin embargo, su tono aventurero podría atraer a futuros fanáticos del género, sirviendo como una introducción suave antes de sumergirse en el terror más intenso.

Podeis encontrarla en PRIME VIDEO. Si la veis, contadme vuestra opinión. ¡Hasta la próxima!

#CineySeries #Reseñas

Anoche me aventuré a ver la última película de Nicolas Cage, «Renfield«, y no puedo esperar para contarles lo que me pareció. Así que, si eres fanático de las películas de terror y estás buscando algo diferente y entretenido para disfrutar, ¡sigue leyendo!

Sinopsis:

«Renfield» es una comedia vampírica que inicia con una dinámica casi de buddy movie y rápidamente se convierte en un estudio sobre el narcisismo y la codependencia. En esta película, Nicolas Cage interpreta al icónico Conde Drácula, mientras que Nicholas Hoult da vida al inútil sirviente Robert Montague Renfield. La historia se centra en Renfield, quien intenta liberarse de las sanguinarias costumbres de su amo, el Conde Drácula, pero descubre que no es tan fácil distanciarse de un vampiro despiadado. La trama se desarrolla en medio de una familia criminal en Nueva Orleans y sigue a Renfield mientras lucha por encontrar su propia narrativa en medio de las partes interconectadas.

Créditos y reparto

• Directores: Chris McKay
• Guión: Robert Kirkman, Ryan Ridley
• Productores: David Alpert, Bryan Furst, Sean Furst, Robert Kirkman, Chris McKay
• Género: Comedia, Horror, Ciencia Ficción y Fantasía
• País: Estados Unidos
• Duración: 1h 33min

**

Reseña:**

Debo admitir que, aunque «Renfield» tiene algunos fallos claros, no se puede catalogar como un desastre total. La película presenta diálogos hilarantes y escenas de acción exageradas que mantienen al público cautivado. Además, las interpretaciones de Hoult y Cage son sin duda lo más destacado de la película. La química entre ellos crea momentos hilarantes, cautivadores y emocionantes que eclipsan las demás partes de la historia.

Es refrescante encontrarse con una película de acción independiente que no se extiende más allá de 90 minutos. En una era en la que las películas de gran presupuesto dominan la taquilla, «Renfield» ofrece una experiencia breve pero entretenida. A pesar de sus fallos, la película logra divertir y ofrecer momentos memorables, lo cual es digno de celebración en el panorama cinematográfico actual.

En cuanto a las interpretaciones, Nicolas Cage brilla como el Conde Drácula, recordándonos por qué es un favorito en la pantalla grande. Su actuación es una mezcla de desquiciado y malagradecido, y rinde homenaje al personaje sin perder la elegancia y la magnificencia del vampiro más famoso. Por su parte, Nicholas Hoult se ajusta perfectamente a su papel, y su química con Awkwafina, quien interpreta a la policía Rebecca Quincy, es palpable y bien ejecutada.

«Renfield» se atreve a explorar temas de dependencia y abuso desde un enfoque cómico, lo cual es un enfoque arriesgado pero efectivo. A través de las relaciones entre los personajes, la película ofrece una mirada sarcástica y fresca sobre la codependencia y la manipulación. Aunque algunas escenas de acción pueden parecer un tanto forzadas y exageradas, no impiden que el mensaje más profundo de la película brille.

Si buscas una película para pasar un par de horas sin complicaciones y sin pensar demasiado, «Renfield» es una elección acertada. Aunque no cambiará tu perspectiva sobre el cine, ofrece momentos brillantes y entretenimiento garantizado. Además, la interpretación de Nicolas Cage como el Conde Drácula es una delicia para los fanáticos y una prueba de que el actor sigue siendo un maestro en su oficio.

#CineySeries #Reseñas #NicolasCage

Anoche me senté a ver Guardianes de la Galaxia Vol. 3, y aunque la película dura dos horas y media, no sentí ni un solo momento de aburrimiento. Y mira que soy de los que se revuelven en el asiento si una escena se alarga más de lo necesario. Pero esta vez, James Gunn logró algo que pocos directores consiguen: hacer que cada minuto valga la pena, incluso en una franquicia tan masificada como el MCU.

Y es que Guardianes 3 no es solo otra película de superhéroes. Es una despedida épica, un viaje emocional y una carta de amor al rock, la amistad y los personajes imperfectos. Y, sobre todo, es una película que se atreve a ser cruda cuando el MCU suele quedarse en lo superficial.

Si hay algo que Gunn hace mejor que nadie es dar alma a personajes que, en otras manos, serían simples chistes. Rocket no es solo un mapache sarcástico con un cañón; es un ser roto, con un pasado de experimentación y dolor que, por fin, se explora en profundidad. Y no lo hacen con flashbacks forzados o diálogos cursis: lo hacen con imágenes impactantes, silencio y una banda sonora que golpea donde duele.

El desarrollo de los personajes es el gran acierto de la película. Cada uno tiene su momento: – Peter Quill ya no es el chavalete egocéntrico de la primera película. Aquí es un tipo roto por la pérdida de Gamora, y Chris Pratt lo hace bien. – Drax y Mantis tienen una química cómica y tierna que roba escenas. Su relación es el contrapunto perfecto al drama de Rocket. – Nebulosa sigue siendo el personaje más interesante del grupo, con esa mezcla de frialdad y vulnerabilidad. – Groot y Rocket siguen siendo el dúo más carismático, con diálogos que oscilan entre lo hilarante y lo conmovedor.

Pero ojo: no todo es perfecto. Adam Warlock es el gran fallo. Aparece, hace su papel de “diosito dorado”, pero no termina de encajar. Es como si Gunn lo hubiera metido por obligación del canon cósmico, sin darle el espacio que merece. Y eso, en una película tan bien construida, duele.

Si algo tiene Guardianes 3 es un estilo visual único. Gunn no tiene miedo a la sangre, a los planos largos o a las secuencias caóticas. La pelea en la nave de los Sovereign es puro caos controlado, con una cámara que no para de moverse y un ritmo que recuerda a los mejores solos de guitarra.

Y luego está el uso del plano americano en momentos clave, que le da un aire de western espacial. Es como si Sergio Leone dirigiera una película de Marvel. Eso, unido a una paleta de colores que va del neón al negro más absoluto, hace que cada escena sea una experiencia visual.

Si algo define a Guardianes de la Galaxia es su música. Y en esta entrega, Gunn no decepciona. Desde el tema de Florence + The Machine que cierra la película hasta los clásicos de los 70 y 80 que suenan en el fondo, cada canción está elegida con un propósito.

Hay un momento, sin spoilers, en el que una canción de The Smiths suena mientras ocurre algo trágico. Y no es un recurso barato: es el colmo del cine emocional. Gunn sabe que la música no es solo fondo, es otro personaje.

Sin spoilers, el cierre de la trilogía es emocionalmente satisfactorio. No es un final feliz al uso, pero tampoco es un “todos mueren” forzado. Es un adiós con clase, que deja espacio para el futuro sin traicionar lo que los Guardianes siempre han sido: un grupo de frikis que se convirtieron en familia.

Guardianes de la Galaxia Vol. 3 es una película imperfecta, pero valiente. Tiene fallos (Adam Warlock, algunos ritmos desiguales), pero acierta en lo importante: emoción, acción y personajes que importan.

#CineySeries #Reseñas #Marvel

Recientemente, volví a ver la comedia «No me chilles, que no te veo» después de más de dos décadas. Además, tuve la oportunidad de verla con un adolescente a quien estoy intentando introducir en el maravilloso mundo del cine de los años 80 y 90. Revivir esta divertida película protagonizada por Richard Pryor y Gene Wilder me hizo recordar por qué sigue siendo una joya del género cómico y cómo su humor traspasa las barreras del tiempo, divirtiendo a espectadores de diferentes generaciones.

Sinopsis

Wally Karue , un invidente en busca de trabajo, y Dave Lyons , un sordo dueño de una tienda, se encuentran en circunstancias inesperadas que los llevarán a trabajar juntos. Tras presenciar un homicidio y ser inculpados injustamente, el dúo se verá envuelto en una vertiginosa y rocambolesca trama de asesinos y mafiosos. A pesar de sus limitaciones, deberán unir sus habilidades únicas para enfrentar la situación y salir airosos, dando lugar a situaciones hilarantes y gags inolvidables.

Reparto

«No me chilles, que no te veo» es la cuarta de las cinco comedias protagonizadas por la famosa pareja de actores Richard Pryor y Gene Wilder. Bajo la dirección de Arthur Hiller , quien ya había trabajado con ambos actores en «El expreso de Chicago», esta película destaca por su humor basado en los problemas de comunicación entre un sordo y un ciego. Pryor y Wilder se prepararon minuciosamente para sus roles, asistiendo a escuelas especiales y consultando a profesionales médicos. Además, la cinta presenta una aparición temprana de un joven Kevin Spacey en el mundo del cine.

Dónde ver y puntuación en plataformas

La película cuenta con una valoración positiva en diferentes plataformas: en Filmaffinity obtiene una puntuación de 5.6 sobre 10, mientras que en IMDb alcanza una calificación de 6.8 sobre 10. Para aquellos interesados en disfrutar de esta divertida comedia, está disponible en las plataformas de streaming Netflix y Movistar +.

Ficha técnica

• Título Original : See No Evil, Hear No Evil
• Estado : Estrenada el 12/05/1989
• Año : 1989
• Duración : 103 min.
• Director : Arthur Hiller
• País : Estados Unidos
• Presupuesto : 18,000,000 $
• Ingresos : 46,908,987 $

Mi crítica

«No me chilles, que no te veo» de Arthur Hiller es una película cómica aventurera que, a pesar del paso del tiempo, sigue siendo una fuente inagotable de diversión y entretenimiento. La sencilla trama de un ciego y un sordo envueltos en una enrevesada historia de asesinos y mafiosos se convierte en un festín de situaciones desternillantes y chistes bien ejecutados.

Los talentosos Richard Pryor y Gene Wilder bordaron sus roles cómicos mientras transmitían de manera satírica la inadaptación a sus deficiencias, logrando que el espectador crea plenamente en sus personajes y se ría con placer en cada intento de ser «normales».

Incluso mi hijo, con 17 años y de una generación más nueva, disfrutó de la película. Aunque es cierto que contiene algunos clichés heredados de su época, como el tratamiento diferencial hacia las mujeres, sigue siendo una comedia sumamente entretenida que garantiza momentos de diversión inolvidables.

«No me chilles, que no te veo» se mantiene como un clásico del cine cómico gracias a su ingenioso guion y al talento de sus protagonistas. Es una película que trasciende generaciones y demuestra que el humor bien elaborado es atemporal. Si aún no la has visto, ¡te la recomiendo sin duda! Prepárate para reírte a carcajadas y disfrutar de un rato ameno y divertido en compañía de dos actores legendarios.

#CineySeries #Comedia #Reseñas

Hace unas horas me devoré el documental de Netflix sobre Arnold Schwarzenegger, y juro que no es el típico homenaje edulcorado a una estrella. Si esperabas un “qué gran tipo es Arnold, mirad qué vida tan maravillosa ha tenido”, te equivocas de medio a medio. Esto es más bien un “así se construyó (y se destruyó) un mito”, con sus luces, sus sombras y esa ambición desmedida que lo llevó de un pueblucho austriaco a gobernar California.

Y mira, no comparto su ideología ni su visión del mundo, pero hay que reconocerlo: el tío marcó mi infancia.

El documental, dirigido por Lesley Chilcott, está dividido en tres capítulos, cada uno centrado en una etapa de su vida. No es spoiler decir que ninguna es aburrida.

1. El niño que quería ser Hércules (y terminó siendo un monstruo de gimnasio)

El primer episodio es puro *rocky movie* (pero en versión real y sin final feliz garantizado). Un Schwarzenegger joven, obsesivo y con un padre nazista que lo maltrataba, sueña con escapar de Austria y convertirse en el mejor culturista del mundo. Y lo consigue, a base de entrenar como un poseso, mentir, manipular y pisar a quien hiciera falta.

Lo mejor: – Las entrevistas con sus compañeros de culturismo, que lo describen como “un tipo que no tenía amigos, solo rivales”. – Cómo usó el cine de Hércules (sí, esas películas cutres de los 60) como inspiración para moldear su físico y su personalidad. – La crudeza con la que admite que su ambición no tenía límites: si había que mentir, se mentía; si había que humillar a alguien, se humillaba.

Lo peor: – Que no profundiza suficiente en su relación con su padre (un policía nazista). Se menciona, pero se queda en la superficie, como si el documental tuviera miedo de ahondar demasiado.

Frase para recordar: > “No quería ser normal. Quería ser el mejor. Y si eso significaba ser un cabrón, pues lo sería.”

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2. Hollywood: Cuando el músculo se convirtió en leyenda (y en taquilla)

Aquí es donde el documental se pone más divertido, porque habla de su transición de “forzudo con acento raro” a superestrella de acción. Y no lo hace con nostalgia, sino con anécdotas brutales y testimonios de gente como James Cameron, Linda Hamilton o Sylvester Stallone.

Lo mejor: – Cómo nació *Terminator*: Cameron explica que Arnold no era su primera opción (quería a O.J. Simpson, sí, el del juicio), pero que su presencia en pantalla era imbatible. – El rodaje de *Terminator 2*: Linda Hamilton cuenta que Arnold era un profesional absoluto, pero también un ego enorme que chocaba con todo el mundo. – El duelo con Stallone: La rivalidad entre ambos no era ficción. Stallone admite que Arnold lo superó en todo, incluso en Rocky IV (donde Ivan Drago era su personaje).

Lo peor: – Que glosa un poco sus fracasos. Sí, habla de Última acción heroica o Batman y Robin, pero no ahonda en por qué sus películas empezaron a fallar. – Que no menciona su lado más oscuro: los rumores de acoso, su reputación de macho alfa tóxico en los sets... Se queda en lo superficial.

Frase para recordar: > *“En Hollywood, si no eres el número uno, no eres nadie. Y yo nunca quise ser el número dos.”*

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3. La política: Cuando el “hasta la vista, baby” se encontró con la realidad

Este es el episodio más incómodo, porque aquí Arnold deja de ser un ídolo y se convierte en un político. Y no en uno cualquiera: gobernador de California, un estado con más población que muchos países.

Lo mejor: – Cómo llegó al poder: Usando su fama, su carisma y un discurso populista que hoy nos suena a trumpismo light. – Sus logros: Fue sorprendentemente progresista en temas como el cambio climático (se enfrentó a las petroleras) o los derechos LGTB. – Sus fracasos: El escándalo de su hijo ilegítimo con la empleada doméstica, que destruyó su matrimonio y su imagen.

Lo peor: – Que justifica demasiado sus errores. Sí, reconoce que la política es más complicada que el cine, pero no asume del todo su responsabilidad en sus meteduras de pata. – Que no se habla de su legado real: ¿Fue un buen gobernador? ¿O solo un famoso que tuvo suerte?

Frase para recordar: > *“En la política, descubrí que no puedes resolver los problemas a puñetazos. Y eso, para mí, fue un shock.”*

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¿Por qué verlo?

1. Porque no es un documental propagandístico:

   • Muestra sus errores (infidelidades, fracasos, arrogancia).
   • No lo pinta como un héroe, sino como un tipo complejo, con luces y sombras.

2. Porque es un viaje por la cultura pop:

   • Si creciste con Terminator, Depredador o Poli de guardería, verás el detrás de cámaras de películas que marcaron una época.
   • James Cameron, Stallone, Jamie Lee Curtis... Todos tienen anécdotas que valen oro.

3. Porque es un estudio sobre la ambición:

   • Schwarzenegger no es un genio, ni un santo, ni un monstruo. Es un tipo que quiso ser el mejor en todo, y pagó el precio.
   • ¿Qué pasa cuando consigues todo lo que deseas? Él lo tuvo: fama, dinero, poder... y terminó solo, con una familia rota y una reputación dañada.

4. Porque el tráiler no le hace justicia:

   • Parece un documental al uso, pero es mucho más crudo, más interesante y más humano.

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Críticas

• Falta profundidad en algunos temas:

  • Su relación con el nazismo de su padre se menciona, pero no se explora.
  • Su lado oscuro en Hollywood (rumores de acoso, comportamiento tóxico) se pasa de puntillas.

• Demasiado “Arnold-céntrico”:

  • A veces parece que el mundo gira alrededor de él, y aunque es comprensible (es su documental), echas de menos más voces críticas.

• El ritmo decae en el episodio político:

  • Si no te interesa la política, este capítulo puede hacerse lento.

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Un documental para fans... y para quienes no lo son

Arnold no es un homenaje acrítico, ni un ataque sensacionalista. Es un retrato honesto de un hombre que vivió varias vidas en una, y que aún hoy sigue reinventándose.

¿Lo recomiendo? Sí, pero con matices: – Si te gusta el cine de acción de los 80/90, es imprescindible. – Si te interesa la psicología de los ídolos, te enganchará. – Si buscas un documental 100% objetivo, no lo es (ninguno lo es), pero al menos no oculta las sombras.

Verlo me hizo recordar por qué Terminator 2 sigue siendo una de mis películas favoritas (a pesar de sus problemas), pero también me hizo reflexionar sobre el precio de la ambición desmedida. Schwarzenegger es un tipo que rompió todas las reglas, y aunque no siempre fue para bien, es imposible ignorar su impacto.

#CineySeries #Netflix #Arnold

Anoche, después de haber completado el último episodio, me he sumergido en la tarea de plasmar mi opinión sobre la serie «El Grifo» de Amazon Prime Video. Como amante de la fantasía, he seguido con entusiasmo la evolución de este género en las plataformas de streaming.

Dentro del catálogo de Amazon Prime Video , encontramos producciones que han cautivado a la audiencia, como «Samaritan» , «La rueda del tiempo» y «Carnival Row». Recientemente se ha estrenado «El Grifo» el 25 de mayo, y he sido testigo de cómo ha generado expectativas y se ha convertido en un gran éxito. Ahora, compartiré mi visión sobre los elementos que hacen de «El Grifo» una de las mejores series de fantasía de los últimos años.

Un Secreto Familiar Oscuro y Complejo

«El Grifo» aborda una trama intrigante y cautivadora desde sus primeros minutos. La historia se desarrolla en torno a Mark, un adolescente que cumple 16 años y se enfrenta a la revelación de un secreto familiar oscuro.

A medida que se adentra en el mundo de la Torre Oscura , dominado por el temible Grifo , Mark descubre su papel crucial en la lucha contra esta criatura malvada. Lo que diferencia a El Grifo de otras series es la complejidad de los lazos familiares y los dilemas morales a los que se enfrenta el protagonista. Esta profundidad emocional añade capas de intriga y suspense a la trama, manteniendo al espectador cautivo en cada episodio.

Un Reparto Destacado

El éxito de cualquier serie recae, en gran medida, en la calidad del elenco y en su capacidad para dar vida a los personajes. En este aspecto, El Grifo brilla con un reparto talentoso y convincente.

Jeremias Myer , en el papel de Mark, nos regala una interpretación emotiva y llena de matices, transmitiendo la complejidad interna del personaje. Zoran Pingel y Lea Drinda , como los amigos de Mark, Memo y Becky, aportan frescura y química al grupo protagonista. Además, la serie cuenta con la participación de actores de renombre en el cine germano como Sabine Timoteo , Flora Li Thiemann , Yuri Völsch , Samirah Breuer y Thorsten Merten , quienes elevan la calidad actoral de la producción.

El Éxito y la Originalidad de El Grifo

La serie El Grifo ha logrado cautivar al público gracias a su enfoque fresco y original dentro del género de fantasía. Sin embargo, aunque la serie ha recibido elogios y se ha convertido en uno de los favoritos de muchos espectadores, también es importante señalar áreas en las que podría mejorar. Con un presupuesto adecuado para potenciar el guion y mejorar los efectos especiales, El Grifo tiene el potencial de convertirse en una gran serie.

La serie ha demostrado una gran habilidad para explorar temas familiares complejos y sumergirnos en un mundo oscuro y peligroso. Sin embargo, en ocasiones, el desarrollo de algunos personajes secundarios y subtramas podría haber sido más profundo y coherente. Algunos aspectos de la trama podrían haberse explorado con mayor detalle, lo que habría enriquecido aún más la experiencia de la serie.

Además, si bien los efectos especiales y las criaturas fantásticas presentes en la serie son impresionantes, en algunos momentos se percibe cierta falta de pulido y realismo. Con un mayor presupuesto destinado a mejorar estos aspectos técnicos, El Grifo podría elevar su calidad visual y sumergir aún más al espectador en su mundo de fantasía.

A pesar de estas observaciones, es importante reconocer los logros de El Grifo. La serie cuenta con un reparto que brinda interpretaciones convincentes y una trama que mantiene el interés a lo largo de los seis episodios. La atmósfera ochentera, la ambientación en la década de los 90 y la selección musical son aciertos que suman a la experiencia general.

#CineySeries #Reseña #Prime

Producida por AMC Studios para Apple TV+, ‘Silo’ es una serie dramática inspirada en la trilogía homónima de novelas de Hugh Howey.

Ambientada en un mundo distópico, la historia sigue a las últimas diez mil personas que habitan la Tierra. Todos ellos viven en un lugar llamado Silo , situado a más de un kilómetro de profundidad, para evitar entrar en contacto con la sustancia tóxica que acabó con el resto de la población.

Ninguno de los supervivientes sabe por qué se construyó el silo, y aquellos que han intentado averiguarlo han sufrido terribles consecuencias. A pesar de ello, Juliette , una ingeniera, está decidida a no descansar hasta encontrar las respuestas sobre el asesinato de uno de sus seres queridos. Pronto se ve atrapada en un misterio aún más inquietante, descubriendo que conocer la verdad puede poner fin a su vida.

Críticas

** «Silo»** ha recibido una alta valoración en IMDB, obteniendo un 8.3 sobre 10, mientras que en Filmaffinity alcanza un 7.4 sobre 10. Además, ha recibido elogios de todas las críticas internacionales publicadas en las últimas dos semanas, sin ninguna opinión negativa entre las más de 50 reseñas. Se destaca la calidad de la producción, una fascinante ambientación y una excelente combinación entre el género noir y la ciencia ficción.

Los respaldos son sólidos sin duda alguna: el guionista nominado al Emmy Graham Yost (‘Band of Brothers’, ‘Justified’) asume el rol de showrunner, mientras que el nominado al Oscar Morten Tyldum (‘Defender a Jacob’, ‘The Imitation Game’) dirige los tres primeros episodios, los cuales tienen una duración media de una hora. Esta producción de AMC Studios cuenta con un equipo de renombre y una factura impecable.

¿Por qué me estoy enganchando?

La serie tiene una trama intrigante y adictiva, así como la fenomenal actuación de Rebecca Ferguson en el papel de Juliette. Además, la serie presenta un enfoque fresco y original en el género de la ciencia ficción distópica, alejándose de los clichés habituales.

Silo es una serie que cautivará a los amantes de la ciencia ficción y, además, ha sido bien recibida por la crítica.

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Si te va el rollo de Snowden o te flipan las historias de espionaje técnico que no parecen sacadas de una peli de James Bond, tienes que ver The Undeclared War. Hoy os traigo mi opinión sobre esta serie de Channel 4.

¿De qué va la movida?

La serie nos sitúa en el Reino Unido del año 2024. Un ataque cibernético masivo tumba parte del sistema de internet del país justo antes de unas elecciones generales. Saara Parvin, una estudiante en prácticas en el GCHQ (el cuartel general de comunicaciones británico), descubre que el ataque que todos creen haber solucionado es solo la punta del iceberg.

Hay un código oculto, una “guerra no declarada” que se libra en los servidores, en los cables submarinos y, lo más peligroso, en la manipulación de la opinión pública a través de las redes sociales.

Lo que la hace diferente (y real)

• No es el típico “hacker” de cine: Aquí no hay gente con capucha aporreando el teclado con gráficos verdes volando por la pantalla. Saara se pasa horas leyendo líneas de código, buscando anomalías y usando la lógica. Es una representación del trabajo de ciberseguridad mucho más fiel y, por tanto, más aterradora.
• La guerra invisible: La serie muestra cómo se puede desestabilizar un país entero sin disparar una sola bala. Basta con hackear la percepción de la realidad de la gente. Bots, desinformación y ataques a infraestructuras críticas.
• El dilema de la soberanía: Al igual que os contaba con los libros sobre privacidad, aquí se ve claro: quien controla los datos y la infraestructura, controla el país.

La serie es lenta, aviso. No esperéis persecuciones de coches. Es un thriller psicológico y técnico que cocina el miedo a fuego lento.

¿Lo mejor? El realismo. Te hace sentir que esto que estás viendo podría estar pasando ahora mismo mientras lees este post. ¿Lo peor? Que a veces se pone un poco densa con la política británica, pero el mensaje central es universal: somos vulnerables porque hemos construido nuestra sociedad sobre una base digital que no sabemos proteger.

The Undeclared War es un aviso para navegantes. Nos recuerda que la ciberseguridad no es algo “friki” que solo incumbe a los informáticos; es la base de nuestra libertad y estabilidad. En un mundo donde regalamos nuestra privacidad por comodidad, esta serie te hace querer cambiar todas tus contraseñas y empezar a usar una VPN hasta para ir al baño.

Si quieres entender cómo se libran las guerras del siglo XXI, deja de ver pelis de acción planas y ponte esto.

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Después de tanto hablar de algoritmos y de soberanía de datos, me apetecía ver algo de ficción que tratara el tema. Así que me puse M3GAN. Y os digo una cosa: me lo pasé pipa, pero salí de la película confirmando que mi desconfianza por los robots con ojos de cristal está más que justificada.

No esperéis una obra maestra del terror profundo estilo Junji Ito, pero como sátira tecnológica es canela en rama.

¿De qué va la vaina?

Gemma es una ingeniera brillante (pero con la empatía de un router) que trabaja en una empresa de juguetes de alta tecnología. De repente, se tiene que hacer cargo de su sobrina Cady, que acaba de quedarse huérfana. Como Gemma no tiene ni pajolera idea de cómo cuidar a una niña, decide que lo mejor es terminar su prototipo estrella: M3GAN, una muñeca con Inteligencia Artificial diseñada para ser la mejor amiga del niño y, de paso, descargar a los padres (o tutores) de cualquier responsabilidad.

¿Qué podría salir mal? Pues todo. M3GAN se toma su orden de “proteger a Cady” demasiado en serio y empieza a repartir estopa a todo el que se cruza en su camino.

Lo que me ha gustado (y lo que me ha hecho gracia)

• La crítica al “outsourcing” de la paternidad: La película da en el clavo. Hoy en día le encasquetamos la tablet al niño para que no moleste, y la peli lleva eso al extremo. M3GAN es la niñera perfecta que acaba convirtiéndose en una dictadora.
• El diseño de la muñeca: Tiene ese punto de “valle inquietante” que te pone los pelos de punta. No es un bicho feo como Chucky; es casi humana, y eso la hace mucho más perturbadora.
• Ese toque de humor absurdo: La escena del baile (que se hizo viral) es oro puro. La película no se toma demasiado en serio a sí misma, y eso se agradece entre tanto thriller intenso y plano que abunda hoy en día.

Mi reflexión como tecnófilo escéptico

Más allá de los sustos, la peli toca un tema que me quema: el aprendizaje profundo sin límites. M3GAN aprende por su cuenta, hackea sistemas, accede a la nube y decide qué es ético y qué no. Es el miedo de Snowden hecho juguete.

Hoy nos venden asistentes que “aprenden de nosotros” para hacernos la vida más fácil, pero como vemos en la pantalla, el límite entre un asistente útil y una vigilancia permanente que decide por ti es muy fino. Apple y Google deberían ver esta peli antes de seguir dándole poder a sus algoritmos sobre nuestra vida privada.

M3GAN es divertida, es gamberra y tiene el punto justo de mala leche. No va a cambiar la historia del cine, pero si quieres pasar un buen rato y luego mirar de reojo a tu altavoz inteligente con ganas de desenchufarlo, es tu película.

Eso sí, si tienes hijos o sobrinos, después de ver esto les vas a comprar un balón de reglamento o un libro de arena, nada de muñecas con Wi-Fi.

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Hacía tiempo que no me lo pasaba tan bien viendo una peli de Nicolas Cage. El otro día vi “El insoportable peso de un talento descomunal” y solo puedo decir una cosa: Nicolas Cage es el puto amo. Así, sin paños calientes.

Esta película no es solo una comedia de acción; es un homenaje, una parodia y una carta de amor a la carrera de uno de los actores más excéntricos y carismáticos de Hollywood. Cage se interpreta a sí mismo (o una versión de sí mismo) en un momento bajo de su carrera, aceptando una oferta de un millón de dólares para asistir al cumpleaños de un súper fan español (un Pedro Pascal que está increíble).

Lo que sigue es una espiral de situaciones absurdas, espionaje de la CIA y referencias constantes a sus grandes éxitos como “La Roca”, “Con Air” o “Cara a cara”.

Si algo hace que esta película funcione como un reloj suizo es la química entre Nicolas Cage y Pedro Pascal. Se nota que se lo han pasado de miedo rodando. Pascal interpreta a Javi, un multimillonario que es, básicamente, el fan número uno de Cage. La relación que se forja entre ellos es de una “bromance” tan pura y divertida que te pasas media película con la sonrisa en la boca.

La película es meta-cine puro. Cage hablando con su versión joven de la época de “Corazón Salvaje”, Cage analizando su propia forma de actuar, Cage riéndose de sus propios excesos... Es un ejercicio de autoconciencia que pocos actores se atreverían a hacer con tanta honestidad y sentido del humor.

En un Hollywood lleno de secuelas genéricas y películas de superhéroes cortadas por el mismo patrón, se agradece una propuesta tan fresca, original y gamberra como esta. No intenta ser profunda ni dar lecciones de nada. Solo busca entretener y celebrar la figura de un actor que, para bien o para mal, es único en su especie.

Si eres fan de Nick Cage, la vas a gozar. Y si no lo eres, probablemente saldrás del cine siéndolo. Porque, al final, todos llevamos un pequeño fan de Nicolas Cage dentro.

¡Larga vida al Rey Cage!

#CineySeries #Reseñas #NicolasCage