Hay películas que envejecen como el buen vino, y luego está “Una jaula de grillos” (The Birdcage, 1996). La volví a ver el otro día y, joder, qué bofetada de realidad me llevé al compararla con el cine que se hace hoy. No solo es una comedia magistral, es un recordatorio de una época en la que el cine se atrevía a reírse de todo y de todos sin que nadie se rasgara las vestiduras.

Un reparto en estado de gracia

Lo de Robin Williams y Nathan Lane en esta película es de otro planeta. Williams, contenido pero brillante, y Lane, desatado en el papel de su vida. La química entre ellos es tan real, tan humana, que te olvidas de que estás viendo una comedia de enredos.

Pero es que los secundarios no se quedan atrás. Gene Hackman haciendo de senador ultraconservador es una delicia, y ver a Hank Azaria como Agador Spartacus es, sencillamente, historia del cine.

Comedia contra la hipocresía

Lo que hace grande a esta película no es solo el humor físico o los diálogos afilados. Es cómo utiliza la risa para desnudar la hipocresía de la sociedad. Enfrenta dos mundos: el de una pareja gay dueña de un club de cabaret en Miami y el de una familia política ultraconservadora que vive de las apariencias.

La genialidad reside en que se ríe de los dos bandos. No intenta dar lecciones de moral baratas ni se pone solemne. Al final, nos enseña que todos, seamos como seamos, somos igual de ridículos cuando intentamos aparentar algo que no somos.

¿Se podría hacer hoy?

Sinceramente, creo que no. Hoy vivimos en la era de la piel fina. Cualquier chiste, cualquier estereotipo, cualquier salida de tono sería analizada con lupa por los inquisidores de turno en las redes sociales. Se perdería la frescura y la mala leche que hacen que esta película funcione.

“Una jaula de grillos” es cine libre. Es una película que celebra la diversidad a través de la carcajada, no a través del sermón. Y eso es algo que el cine actual, tan preocupado por no molestar a nadie, parece haber olvidado por completo.

Si quieres reírte de verdad y ver una película que respira libertad por los cuatro costados, hazte un favor y vuelve a verla. Porque directores como Mike Nichols sabían que la mejor forma de unir a la gente no es el consenso forzado, sino una buena risa compartida.

Menos corrección política y más Agador Spartacus, por favor.

#CineySeries #Reseñas

A veces me pregunto cuándo nos volvimos tan frágiles. Cuándo decidimos que la mejor forma de entender el pasado es borrarlo con Tipp-Ex o, peor aún, fingir que nunca existió.

Me he sentado a ver Cocodrilo Dundee. Sí, esa película de los 80 que todos hemos visto mil veces. Un clásico de aventuras, humor simple y un tipo rudo que no encaja en la gran ciudad. Me puse cómodo, esperando echarme unas risas nostálgicas, pero algo no cuadraba. La película avanzaba a saltos. Faltaban cosas.

Y no, no era un fallo del streaming. Era la tijera.

Resulta que hoy en día, ver la versión original de esta película es misión imposible en muchas plataformas. ¿El delito? Dos escenas concretas que la «sociedad moderna» ha decidido que son demasiado fuertes para nuestros delicados ojos.

La primera: esa escena en la fiesta donde Mick Dundee, ante la duda de si una persona es hombre o mujer, hace lo único que haría un cazador de cocodrilos que no entiende de sutilezas sociales: le agarra la entrepierna. Un agarrón de huevos en toda regla para comprobar el «material». La segunda: una situación similar con una mujer mayor.

¿Es una escena bruta? Sí. ¿Es de mal gusto hoy en día? Probablemente. ¿Había que borrarla? Rotundamente NO.

Lo que me revienta no es que la escena sea polémica bajo el prisma actual. Lo que me jode es que nadie nos ha preguntado. No ha venido un dictador ni un ministerio de censura a cortar el metraje. Ha sido algo mucho peor: una censura preventiva impuesta por el miedo a la ofensa.

Estamos viviendo una época absurda donde las obras originales, esas que son hijas de su tiempo, son mutiladas para que encajen en el molde moral de 2025. Ya pasó con los desnudos de los 80. Películas donde antes veías unas nalgas o un pecho de forma natural, ahora aparecen recortadas o con zoom extraños para que no se vea ni un centímetro de carne. Como si ver un culo nos fuera a traumatizar de por vida.

Lo triste es que esta censura es silenciosa. Te venden la película como siempre, pero te dan una versión light , descafeinada y mentirosa.

Cocodrilo Dundee reflejaba una época y una mentalidad concreta. Si borras lo que hoy te ofende, no estás protegiendo a nadie; estás reescribiendo la historia. Estás tratando al espectador como si fuera un niño pequeño incapaz de entender que hace 40 años el mundo era diferente.

En la música pasa igual. Canciones de rock que hemos cantado a grito pelado ahora se miran con lupa, analizando cada coma por si hiere la sensibilidad de alguien. Si seguimos así, dentro de poco tendremos que escuchar los discos instrumentales porque las letras serán «demasiado agresivas».

Dejemos de intentar limpiar el pasado con lejía. Las películas, los libros y las canciones son lo que son. Si algo ha envejecido mal, que se vea. Que sirva de ejemplo de lo que éramos, para bien o para mal. Pero por favor, dejad de cortar escenas y dejadnos decidir a nosotros si nos ofendemos o no.

Menos tijeras y más madurez.

#CineySeries #Divagaciones

Hoy quiero contaros acerca de una serie de películas que descubrí recientemente, aunque no son nada nuevas. Dando un vistazo a MovistarPlus+ , encontré una saga llamada “Los casos del Departamento Q”.

« Los casos del Departamento Q » está basada en la serie de novelas de suspense del autor danés Jussi Adler-Olsen, las cuales se han convertido en best-sellers a nivel mundial.

El Departamento Q es una unidad especial formada por un grupo de detectives dedicados a resolver casos antiguos que han sido archivados. Los protagonistas de las investigaciones son los detectives Carl Mørck (interpretado porNikolaj Lie Kaas) y Assad (Fares Fares). La primera película, dirigida por Mikkel Nørgaard, lleva por título Misericordia. En esta entrega, los detectives investigan la desaparición de una joven promesa de la política danesa, ocurrida años atrás. La segunda película, también dirigida por Nørgaard, se titula Profanación , donde los dos policías siguen las pistas del brutal asesinato de dos jóvenes gemelas a manos de un grupo de aristócratas. La tercera entrega es Redención , dirigida por el cineasta noruego Hans Petter Moland. En esta ocasión, el Departamento Q recibe un mensaje de auxilio que ha viajado durante años en una botella lanzada al mar, lo que los lleva a emprender una nueva y compleja investigación.

Son 6 películas pero…

En realidad, solo me han encantado las cuatro primeras entregas, que son las que mantienen el mismo elenco y tono. Con la sustitución del reparto, también se ha desvanecido el ambiente deprimente y siniestro que caracterizaba las primeras películas de la saga: Misericordia (2013), Profanación (2014), Redención (2016) y Expediente 64 (2018). En este sentido, El efecto Marcus y Sin límites son thrillers algo más convencionales que las cuatro anteriores, aunque indudablemente eficaces. Sin embargo, tienen el problema añadido de que nos habíamos acostumbrado a las interpretaciones de Nikolaj Lie Kaas y Fares Fares, por lo que resulta algo chocante verlos reemplazados por Ulrich Thomsen (inolvidable en su papel del siniestro Kai Proctor en la serie estadounidense Banshee , la cual, por cierto, algún día habrá que reivindicar, ya que pasó injustamente desapercibida) y Zaki Youssef.

Con la llegada de los nuevos actores, se ha perdido un poco ese tono solemne, severo, deprimente y angustioso que suele ser el alma de cualquier buen Nordic Noir.

Comencémos con las películas:

Misericordia

El inspector Carl Mørck (Nikolaj Lie Kaas) no está pasando por su mejor momento tras la muerte de uno de sus compañeros durante una operación policial fallida. Su sentimiento de culpa lo paraliza, lo que lleva a que lo releguen a un nuevo departamento: el de casos no resueltos.

Junto a su nuevo compañero, Hafez Assad, comienzan a investigar el caso de Marete Lynggaard, una joven promesa de la política danesa que desapareció en 2002 en extrañas circunstancias mientras viajaba en un ferry. La policía cerró el caso por falta de pruebas, pero la realidad es que Marete sigue siendo prisionera de su secuestrador, sometida a sus caprichos, mientras sabe que su muerte ya tiene fecha.

La película está dirigida por Mikkel Nørgaard (conocido por la serie de televisión Borgen) y protagonizada por Nikolaj Lie Kaas (Ángeles y demonios), Fares Fares (la serie Tyrant) y Sonja Richter (Cuando despierta la bestia).

En la tradición del Nordic Noir contemporáneo, Misericordia se presenta como una obra austera, sin rastros de humor o simpatía. Sus personajes, profundamente atormentados, nos revelan sus demonios internos: el protagonista lucha con sus propios fantasmas, mientras que el sufrimiento de la víctima es innegablemente palpable. En este sombrío mundo escandinavo y protestante, lleno de días grises, la película se aleja de los thrillers de Hollywood, evocando más a los clásicos del cine en blanco y negro.

La trama es una verdadera joya: sobria, pero magistralmente entrelazada, atrapándonos desde el principio. Los personajes están tan bien construidos que, especialmente los dos policías, resultan cercanos y distantes al mismo tiempo, creando una conexión que nos mantiene pegados a la pantalla hasta el final.

Profanación

En 1994, dos hermanos gemelos fueron brutalmente asesinados en una casa de campo. Las investigaciones policiales señalaron a un grupo de jóvenes ricos de un internado cercano como los principales sospechosos. Sin embargo, cuando un extraño se declaró culpable, el caso se cerró rápidamente.

Veinte años después, el expediente llega al escritorio del Superintendente Adjunto Carl Mørck, quien pronto se da cuenta de que algo no encaja. Carl y su asistente Assad reabren el caso tras recibir una llamada desesperada de una joven que parece tener información crucial sobre los asesinatos.

Pronto, ambos se ven inmersos en la intensa y oscura búsqueda de Kimmie, una chica desaparecida desde el día de los crímenes. Pero no son los únicos que la buscan. Un grupo de hombres influyentes hará todo lo posible para asegurarse de que el pasado no salga a la luz.

Profanación está dirigida por Mikkel Nørgaard (de la serie Borgen) y protagonizada por Nikolaj Lie Kaas (Ángeles y demonios), Fares Fares (de la serie Tyrant), Pilou Asbæk (1864) y David Dencik (Serena).

Después de la prometedora Misericordia , creo que Profanación no solo la confirma, sino que la supera. Esta película es más ambiciosa, con personajes más sólidos y un argumento más complejo y profundo, que ofrece momentos de intriga realmente espectaculares.

Hay partes de la película que alcanzan un nivel sobresaliente, donde tanto la trama como los personajes, en especial la pareja de detectives, están tan bien construidos que sostienen un thriller de gran calidad.

Es una lástima que el final se sienta un poco convencional y no esté a la altura del resto de la película, lo que le impide ser completamente sobresaliente. Aun así, es un filme muy notable, interesante, entretenido y emocionante.

Redención

La tercera entrega de la saga del Departamento Q se centra nuevamente en el detective superintendente Carl Mørck, del Departamento Q de la policía de Copenhague, especializado en «casos especiales». Un día, Carl recibe un extraño mensaje: un trozo de papel dentro de una botella encontrado en una comisaría de un remoto lugar de Escocia. La primera palabra, escrita en danés con sangre, es «Socorro». Junto a su compañero Assad y su asistente Rose, descubren que el mensaje fue enviado por dos jóvenes hermanos que estaban secuestrados en un cobertizo de lanchas cerca del mar. Ahora deberán averiguar quiénes son, por qué nunca se denunció su desaparición y, lo más importante, si todavía están con vida.

Hans Petter Moland (Un lugar maravilloso , Aberdeen) toma el relevo de Mikkel Nørgaard como director, mientras que Nikolaj Lie Kaas regresa como el detective Carl Mørck. El reparto también incluye a Fares Fares, Johanne Louise Schmidt, Jakob Oftebro, Pål Sverre Hagen, Lotte Andersen y Søren Pilmark.

¡El Departamento Q vuelve al completo! Esta vez, en lugar de elegir su caso, se topan con una sorpresa: un mensaje en una botella que ha estado a la deriva durante más de siete años. Al descifrarlo, se sumergen en una vorágine de eventos relacionados con sectas y religión, explorando lo divino y lo humano, mientras investigan desapariciones de menores que parecen imposibles de resolver.

Nuestros protagonistas se ven atrapados en un mundo de depravación y crueldad, tratando de desenredar un misterio del pasado que se entrelaza con el presente. Su misión: rescatar a dos hermanos, mientras el autor repite el mismo modus operandi de hace más de cinco años. Además, la atmósfera es aún más oscura y húmeda que en sus aventuras anteriores.

Expediente 64

El detective Carl Mørck (Nikolaj Lie Kaas) y su asistente Assad (Fares Fares) regresan a la gran pantalla con un caso que los llevará hasta la isla de Sprogø, un lugar donde, años atrás, se realizaron terribles experimentos médicos que quizás nunca llegaron a su fin. Tras el descubrimiento de varios cuerpos momificados ocultos tras una pared en un antiguo apartamento, Mørck y Assad deberán apresurarse para resolver el caso y evitar que se produzcan nuevos asesinatos. Esta es la cuarta adaptación cinematográfica de las novelas de Jussi Adler-Olsen, dirigida por el ganador de la Camera d’Or Christoffer Boe (Reconstruction). Nikolaj Lie Kaas y Fares Fares retoman sus roles como Carl Mørck y Assad, liderando un reparto que incluye a Nicolas Bro (Antboy, el pequeño gran superhéroe), Anders Hove (Critters 4) y Søren Pilmark (Una vida a lo grande).

¡Subiendo un peldaño en la saga! Este thriller es penetrante y sumamente competente. La pareja protagonista demuestra una química sobresaliente, desenvolviéndose en una trama marcada por temas políticos y supremacistas de gran actualidad. Es una película que te atrapa desde el principio y no decepciona.

Con un estilo único, este filme resulta más interesante que los anteriores, ofreciendo una mirada crítica a los oscuros secretos de un país que, en teoría, se presenta como ejemplar (y, como dice el refrán, «el que esté libre de pecado, que tire la primera piedra»). Sin duda, ¡es la entrega que más me ha gustado de toda la saga!

Las últimas…

Como comenté al principio del post, solo he visto las cuatro primeras entregas de la saga. No he querido continuar porque me he encariñado con esta pareja de personajes, y prefiero mantener la buena impresión que tengo antes de que los cambios de actores, director y el propio tono de la saga puedan afectar mi opinión. Aun así, os mencionaré brevemente las dos películas siguientes:

• **El efecto Marcus : **Cuando Marcus, un chico gitano de 14 años, es detenido en un control fronterizo en Dinamarca y se descubre que lleva consigo el pasaporte de un funcionario desaparecido, el inspector Carl Mørck y su equipo del Departamento Q reciben el encargo de investigar la conexión entre ambos hechos.

• Sin límites : En un acto de cobardía, el detective Carl Mørck envía a Rose, la novata del Departamento Q, a la remota isla danesa de Bornholm para atender las repetidas solicitudes de su antiguo colega Christian Habersaat. Durante su ceremonia de retiro, Christian se suicida, lo que lleva a Rose a enfrentar su propio pasado traumático. Posteriormente, Carl y Assad llegan a la isla, donde los tres se ven envueltos en un antiguo caso sin resolver sobre una niña que fue encontrada muerta.

Y con esto concluyo mi repaso por la saga. Espero que le deis una oportunidad a estas películas, especialmente si sois fans del Nordic Noir y los thrillers en general. ¡Ya me contaréis vuestras impresiones en redes sociales!

#CineySeries #Reseñas

Recientemente vi en Movistar+ una película coreana llamada “Los ojos de la noche” , que realmente me dejó, como se suele decir “ embobao “. Aquí algunos datos importantes de la película:

• Título: Los ojos de la noche (Olbbaemi)
• Reparto:
  
  • Ryu Jun Yeol (Cheon Kyeong-soo)
    
  • Yoo Hae Jin (Rey Injo)
    
  • Choi Moo Sung (Lee Hyung-Ik)
    
  • Jo Sung Ha (Señor Cho)
    
  • Park Myung Hoon (Man Sik)
    
  • Kim Sung Chul (Príncipe Heredero Sohyeon)
    
  • Ahn Eun Jin (Soyong Jo)
    
  • Jo Yoon Seo (Kang Bin)
    
• Año: 2022
  
• Duración: 118 minutos
  
• País: Corea del Sur
  
• Director: An Tae-jin
  
• Guionistas: An Tae-jin, Baek Yeon-ja, Hyun Gyu-Ri
  
• Género: Thriller, Drama
  
• Distribuidor: A Contracorriente Films
  

La película cuenta la historia de Gyeong-su, un acupuntor ciego que consigue trabajar en el palacio real para tratar al rey. Sin embargo, la vida de Gyeong-su da un giro cuando una noche es testigo de la muerte del príncipe heredero. A pesar de su ceguera, Gyeong-su puede ver en la oscuridad, lo que le permite observar lo ocurrido. A medida que investiga, descubre una conspiración mayor dentro del palacio, algo que amenaza con desmoronar todo lo que ha conocido. Este thriller histórico está lleno de detalles que recrean la época de forma muy cuidadosa.

Como alguien que le gusta ver de vez en cuando películas asiáticas, debo decir que Los ojos de la noche me sorprendió para bien. La historia es muy buena, y me encantó cómo aborda temas universales como el poder y la ambición. Aunque está ambientada en el pasado, te das cuenta de que esas dinámicas de poder no cambian, ya sea en la antigüedad o en la actualidad. La película te hace reflexionar sobre lo oscuro que puede ser el ser humano y cómo, a veces, es más fácil no ver la realidad para evitar problemas. Pero lo que más me gustó fue cómo Gyeong-su, a pesar de su miedo, se enfrenta a todo y termina siendo un héroe.

Los actores, especialmente Ryu Jun Yeol, hacen un trabajo increíble. Su interpretación de Gyeong-su, el acupuntor ciego, es muy buena y emotiva. Aunque está atrapado en la despiadada política del palacio, utiliza su agudeza sensorial para descubrir lo que otros no pueden ver. El personaje tiene una evolución muy interesante, y Ryu Jun Yeol lo llena de matices que lo hacen muy humano y real.

Además del suspense, la película tiene algunos toques de humor que me parecieron muy graciosos. No es algo que uno esperaría en un thriller histórico, pero los momentos cómicos están bien integrados y ayudan a aliviar la tensión en los momentos clave.

Los ojos de la noche es una película que combina muy bien el drama, el suspense y pequeños momentos de humor. Es cautivadora de principio a fin, con una trama que te mantiene en vilo. Aunque no es un «quién lo hizo» tradicional, la forma en que se desarrolla la historia es lo que realmente engancha.

#CineySeries #Reseñas

Este fin de semana pasado vi «Los vigilantes» , la nueva película de Ishana Shyamalan , que se ha estrenado en Max . Es su primer largometraje como directora y, la verdad, tenía curiosidad por ver cómo le iría, siendohija del famoso M. Night Shyamalan.

En cuanto al reparto, la película cuenta con Dakota Fanning, Georgina Campbell y Oliver Finnegan. Un equipo que, en mi opinión, hace un buen trabajo, sobre todo teniendo en cuenta la tensión constante que la historia les exige mantener.

La trama sigue a Mina, una joven que, en medio de un viaje por el oeste de Irlanda, se encuentra atrapada en un bosque que no aparece en ningún mapa. Es un lugar raro, con una vibra que ya te da mala espina desde el principio. Como es de esperar, las cosas no tardan en irse al traste: su furgoneta no arranca, el móvil está muerto, y lo único que le queda es adentrarse en el bosque buscando ayuda.

La película juega mucho con la idea del miedo a lo desconocido, y las reglas que tienen que seguir para sobrevivir le dan un toque interesante. Pero, como suele pasar en estos casos, Mina no es muy de seguir normas, lo que obviamente lleva a más problemas para ella y el resto de los personajes.

En cuanto a mi opinión, la película tiene cosas que me gustaron y otras que, bueno, no tanto. Por un lado, me parece que el viaje de Mina es lo mejor. Ella comienza despreciándose, incapaz de mirarse al espejo, y al final, gracias a lo que vive en ese bosque, logra aceptarse y buscar redención. Es un arco de personaje que se siente genuino y que da sentido a muchas de las decisiones que toma a lo largo de la historia.

Sin embargo, «Los vigilantes» también tiene sus fallos. Siento que Ishana Shyamalan quiso meter demasiado. La película tiene como tres giros de guion, lo cual la hace un poco recargada. Es como si quisiera asegurarse de que nada quedara sin explicar, y al final, te da la sensación de que te lo han sobreexplicado todo.

Además, aunque Ishana usa las mismas técnicas de su padre, no logra el mismo impacto que «El Sexto Sentido». Esto no es del todo malo, pero se nota que está intentando seguir la misma fórmula, y a veces se siente un poco forzado.

**«Los vigilantes» **es una película que merece la pena ver, especialmente si te gusta el cine de suspense y los misterios en bosques oscuros. Aunque no es perfecta y podría haber sido un poco más sutil, tiene momentos interesantes y un par de sustos que valen la pena. Así que si tienes una noche libre y te apetece algo nuevo, dale una oportunidad.

#CineySeries #Reseñas

El 6 de septiembre de 2024, fui al estreno de Beetlejuice Beetlejuice en el Multicine Las Salinas, en Chiclana de la Frontera. Como fan de Beeteljuice de Tim Burton, la de los 80´s, tenía que ver esta nueva película.

La película está dirigida por Tim Burton y dura 1 hora y 44 minutos. Es una comedia con un toque de fantasía y terror. Los actores principales son Michael Keaton, Winona Ryder, Catherine O’Hara, Jenna Ortega y Justin Theroux.

Beetlejuice Beetlejuice es una secuela que tiene el estilo típico de Burton: es extraña, divertida y un poco aterradora. La historia sigue a la familia Deetz, que vuelve a Winter River después de muchos años. Lydia, interpretada por Winona Ryder, es ahora una estrella de televisión, pero las cosas no van bien con su hija Astrid, que interpreta Jenna Ortega. Y, como no podía faltar, Beetlejuice, interpretado por Michael Keaton, regresa con su mezcla de humor y maldad.

Lo primero que noté fue la ambientación. Burton sigue utilizando esos efectos visuales tan particulares, como el stop-motion y los decorados que parecen sacados de una pesadilla. Todo se ve increíblemente bien hecho, aunque a veces un poco extraño, como es típico en sus películas.

Sin embargo, debo decir que el principio de la película se me hizo un poco lento. Parece que la historia tarda en arrancar, lo que puede hacer que uno se impaciente un poco. Pero luego, de repente, todo se acelera, especialmente hacia el final, donde las cosas pasan tan rápido que casi parece que les faltó tiempo para cerrar bien la historia. Eso me dejó un poco desconcertado, como si la película no tuviera un ritmo constante.

A pesar de eso, me reí bastante con las ocurrencias de Beetlejuice, aunque a veces el humor es un poco exagerado. El personaje de Astrid, interpretado por Jenna Ortega, es como el punto de equilibrio, ya que mantiene un pie en la realidad en medio de tanta locura.

En resumen, Beetlejuice Beetlejuice es una película que, aunque no es perfecta, cumple con lo que promete: entretenimiento y risas con ese toque extraño y oscuro que solo Tim Burton sabe dar. No es una película que se tome demasiado en serio, pero ahí está la gracia. Si te gusta el estilo de Burton, seguro que te lo pasarás bien viéndola.

#CineySeries #Reseñas

¡Hola, gente! Sí, ya sé que «Jungla de Cristal« no es precisamente una novedad, pero es mi película de Navidad favorita, y ¡no puedo resistirme a compartir algunas curiosidades sobre esta joya de acción que nunca pasa de moda!

• Lo primero que debes saber es que, aunque la Navidad suele estar llena de luces y nieve, «Jungla de Cristal» decidió darle un giro. ¿Cómo? ¡Con explosiones y John McClane salvando el día en pleno verano! La película originalmente se lanzó en julio, pero su atmósfera navideña la convierte en mi elección número uno para las festividades.
• ¿Sabías que Frank Sinatra estuvo a punto de ser nuestro héroe, John McClane? Sí, sí. A sus 73 años, Sinatra rechazó gentilmente la oferta, y luego llegó Bruce Willis a robarse el show. ¡Imagina a Sinatra enfrentándose a terroristas en lugar de Willis! Aunque, la verdad, McClane siempre será Bruce Willis para mi.
• Antes de que Bruce Willis se convirtiera en mi héroe descalzo favorito, se consideraron opciones más convencionales. Desde Robert De Niro hasta Sylvester Stallone, todos estuvieron en la lista de posibles McClanes. ¿Pero Bruce? ¡Lo consideraban un actor de comedia! Ironías del destino, ¿verdad?
• Nakatomi Plaza, el escenario de la acción, es más real de lo que piensas. En la vida real, es el Fox Plaza en Los Ángeles.
• Nuestro villano, Hans Gruber, inicialmente casi fue interpretado por Sam Neill. Pero Alan Rickman, que debutó en cine con esta película, se llevó el papel. Además, ¡sufrió un accidente filmando su primera escena junto a Bruce Willis!.
• La famosa frase de McClane, «Yippee ki-yay, hijo de puta» , tiene orígenes curiosos. Algunos dicen que proviene del urdu, mientras que otros la atribuyen a los vaqueros del siglo XIX. Sea como sea, ¡es un grito que nos encanta escuchar en cada película de la saga!

Así que, ya sabes, desempolva tu DVD de «Jungla de Cristal» , pon Disney+, o «descárgala», prepárate para la acción y celebremos juntos estas tres décadas pasadas de pura emoción navideña. ¡Yippee ki-yay, amantes del cine!

#CineySeries #Reseñas #Curiosidades

Hace unos días, compartí en mis redes sociales (Mastodon y Bluesky) que me encontraba revisando «Tesis» , dirigida por Alejandro Amenábar. Hoy, en esta entrada, quiero compartir con ustedes algunas curiosidades que no se si conocían. ¿Listos? ¡Aquí vamos!

La película, lanzada en 1996, se sumerge en el turbio terreno del snuff, es decir, grabaciones de asesinatos reales. Y no es para menos que se haya llevado siete premios Goya, incluyendo el de mejor película y mejor director novel. Pero vayamos más allá de los premios y descubramos algunas anécdotas detrás de las cámaras:

• Inicialmente, Penélope Cruz fue la primera opción para interpretar a Ángela , la protagonista. Sin embargo, compromisos con otros proyectos la llevaron a rechazar el papel, dejando el camino libre para Ana Torrent, quien debutó como niña en «El espíritu de la colmena».

• La película no se libró de la censura en varios países , incluyendo México, Argentina, Chile, Francia y Estados Unidos. Nueve minutos de tensión y violencia fueron recortados en estas versiones, privando a los espectadores de algunas escenas impactantes.

• El productor José Luis Cuerda no solo respaldó económicamente la película; también fue un mentor para Amenábar. Le ayudó a pulir el guion, ofreció consejos de dirección y hasta prestó su casa para algunas escenas. ¡Ah, y no olvidemos su cameo como el conductor del autobús!

• El director también se guardó un pequeño papel para sí mismo, aunque su rostro no aparece. Se lanza a las vías del metro al inicio de la película, inspirado por un suceso real que presenció pero prefirió no mirar.

• El villano, el profesor Jorge Castro, está basado en un profesor real que suspendió a Amenábar en realización. Una dulce venganza al ponerle su nombre y apellido al personaje, interpretado por Miguel Picazo.

• La cámara que buscan los protagonistas es la misma que Amenábar utilizó para sus cortos amateurs. Además, la facultad de ciencias de la información de Madrid, donde el director estudiaba, sirvió como escenario principal.

• En el DVD de la película, se pueden encontrar algunas escenas eliminadas, como una conversación entre Ángela y su padre sobre una aventura pasada. También, una escena de sexo entre Ángela y Bosco, eliminada a petición de Ana Torrent.

• La película estuvo a punto de tener un remake dirigido por Wes Craven, conocido por la saga «Scream». Sin embargo, el proyecto nunca vio la luz y quedó en el olvido.

«Tesis» está repleta de guiños y referencias al cine de terror. Desde la secuencia de los túneles con la rana y la telaraña, similar a «La noche del cazador», hasta los objetos de culto en la habitación de Chema, la película es un festín para los amantes del género.

¿Conocían alguna de estas anécdotas? ¿O tienen alguna otra curiosidad que quieran compartir? ¡Déjenmelo saber en los comentarios y sigamos enredando temas juntos! ¡Hasta la próxima!

Os dejo las fuentes desde donde he sacado estas curiosidades:

• 25 años de ‘Tesis’: las curiosidades que no sabías de la obra maestra …..
• 9 cosas que quizá no sabías sobre ‘Tesis’ – eCartelera.
• ‘Tesis’ cumple 25 años: 10 curiosidades del debut de Alejandro Amenábar …..

#CineySeries #Reseñas

Tras un tiempo sin escribir en el blog, hoy quiero hablarles de algo que me encanta y que he vuelto a ver tras unos años sin hacerlo: la miniserie de Stephen King llamada «Rose Red». Sí, esa misma que probablemente hayan pasado por alto en medio de la avalancha de opciones en sus plataformas de streaming.

¿De qué va «Rose Red»? Imaginen una mansión gigantesca, psíquicos con habilidades sorprendentes y una buena dosis de misterio sobrenatural.

La historia de origen:

«Rose Red» nació cuando Stephen King y Steven Spielberg se unieron para aterrorizar al mundo con la idea más espeluznante posible. Sin embargo, las cosas no salieron como planeaban. King, siendo el genio creativo que es, decidió convertir la idea en una miniserie de tres capítulos.

¿Qué la hace especial?

• Remake no oficial: Es una especie de remake no oficial de la novela de Shirley Jackson, la misma autora de «The Haunting of Hill House». Sin embargo, «Rose Red» tiene su propio encanto y giros únicos.
• Personajes: La historia se centra en la enigmática casa Rose Red, ubicada en una colina en Seattle, Washington. Aquí, el Dr. John Montague se convierte en la Dra. Joyce Reardon, interpretada por Nancy Travis. Y nuestra Eleanor Vance ahora es Annie Wheaton, una adolescente interpretada por Kimberly J. Brown.
• Profundidad: La miniserie se sumerge en la historia de la mansión, con muchas décadas de tragedias que la llevaron a ser abandonada. Esto le da una profundidad única.
• Mitología: Para los fanáticos, hay incluso una película llamada «El diario de Ellen Rimbauer» que sirve como precuela.

Aspectos a considerar:

• Duración: La duración extendida puede hacer que algunos momentos pierdan su impacto.

En definitiva:

«Rose Red» es una joya infravalorada que merece su momento bajo los reflectores. Sí, puede que se extienda un poco, pero la historia te absorbe y las cuatro horas pasan volando.

Así que, la próxima vez que busquen algo diferente para ver, dense una oportunidad con «Rose Red». ¡No se arrepentirán!

#CineySeries #Reseñas #StephenKing

¡Hola a todos! Hoy quiero hablarles sobre la película que vi ayer en Netflix, «El curandero». Quiero compartir mis impresiones como un aficionado al cine sin muchas pretensiones. Así que, sin más preámbulos, ¡empecemos!

Datos de la Película

«El curandero» es una película polaca de 2023 dirigida por Michał Gazda , una adaptación de la novela de Tadeusz Dołęga-Mostowicz. La historia se desarrolla en la Polonia de los años 30 del siglo XX, y es la tercera adaptación cinematográfica de esta novela. La película fue producida por Netflix y se estrenó el 27 de septiembre de 2023 en la plataforma, después de proyecciones previas en varias ciudades polacas.

Una Breve Sinopsis

La película nos presenta a Rafal Wilczur , un respetado profesor de Cirugía que atraviesa momentos devastadores. Primero, su esposa lo abandona, y luego, pierde la memoria tras un violento ataque. La historia, basada en la novela polaca «El curandero» de Tadeus Dołęga-Mostowicz, nos lleva a un viaje emocional inolvidable.

Mi Opinión Personal

«El curandero» nos sumerge en la vida de Rafal Wilczur , un cirujano exitoso y respetado. Pero como suele suceder en la vida, la perfección es efímera. Una decepción amorosa lo sume en la desesperación, y la pérdida de memoria lo lleva a un pueblo austero y apartado de Polonia, lejos de la medicina moderna. A pesar de no recordar quién es, Rafal sigue ayudando a la gente gracias a sus habilidades médicas.

La película nos presenta diversas historias paralelas que muestran las múltiples caras de la humanidad, desde sentimientos puros hasta oscuros y calculados. La ambientación en los años 30 está maravillosamente lograda, desde las vestimentas hasta las actuaciones. Sin embargo, podrían haber profundizado un poco más en la historia principal en lugar de desviarse en las tramas secundarias.

A pesar de esto, «El curandero» es una hermosa película que te lleva en un viaje de reflexión sobre la vida y la plenitud. Te hace cuestionarte qué has hecho o dejado de hacer para alcanzar la felicidad. La película es recomendable para todos, tanto jóvenes como adultos.

En muchas escenas, la sutileza y la profundidad emocional del protagonista recuerdan al director de clásicos como «Doctor Zhivago» y «La hija de Ryan». La película mantiene un interés constante y está enriquecida con detalles de escenografía e iluminación.

¿Para Quién es «El Curandero»?

Esta producción polaca es perfecta para los amantes del drama y las historias basadas en libros. Si te gustan las tramas conmovedoras y un toque agridulce, esta película es para ti. Además, si te interesan las historias ambientadas en el pasado, especialmente en la Polonia de los años 30, esta película te transportará en el tiempo.

La película tiene una duración de casi dos horas y media, pero el ritmo pausado me permitió conocer mejor a los personajes y conectarme con ellos, aunque en ocasiones las escenas un poco largas pudieran parecer desesperantes.

«El Curandero« es una película que no querrás perderte. Te hará reír, llorar y reflexionar sobre la vida y la humanidad. Si tienes la oportunidad, ¡dale una oportunidad en Netflix!

Espero que disfruten de esta joya del cine polaco tanto como yo lo hice. ¡Hasta la próxima! 😊

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